UN SECTEUR EN FORTE CROISSANCE QUI S'EXPORTE

Aujourd’hui, la France est le leader européen du cinéma d’animation et le troisième producteur mondial derrière les Etats-Unis et le Japon.

La filière française se distingue à l’international et la fameuse « French touch » est un gage de finesse, de précision, d’originalité et de poésie pour les professionnels du secteur à travers le monde. Des succès internationaux made in France tels que Le Petit Prince ou Moi, moche et méchant en sont de parfaites illustrations.

La France joue un rôle de référence sur le marché international et organise chaque année le festival international du film d'animation d'Annecy et le MIFA (Marché International du Film d’Animation) qui attire, en marge du festival, 8 000 professionnels, vendeurs et acheteurs, en provenance de plus de 65 pays.

En 2014, les longs métrages d'animation français réalisent 3,46 millions d'entrées à l’étranger, en progression de 24,1 % par rapport à 2013. Sur la période 2004-2014, les films d'animation français cumulent près de la moitié de leurs entrées à l'étranger ; et 13 films français d’animation franchissent le seuil du million d’entrées réalisées à l’étranger sur la décennie.

La production audiovisuelle animée hexagonale n’est pas en reste puisqu’en 2013 les ventes de programmes audiovisuels d’animation français à l’étranger augmentent pour la cinquième année consécutive (+6,7%) et représentent 34,2% de la totalité des productions audiovisuelles françaises vendues à l'international.

L’engouement des Français pour le cinéma d’animation ne se dément pas puisque l’offre de films d’animation inédits progresse constamment au cinéma en France avec une moyenne de 28 films par an sortis en salles entre 2005 et 2014 ; et, en moyenne, un film d’animation génère plus d’entrées et de recettes qu’un film d’un autre genre.

Enfin, et contrairement à ce que l’on pourrait croire, les films d'animation attirent un public varié dans les salles obscures françaises puisqu'ils sont vus à 50% par des enfants et à 50% par des adultes. Ceci s'explique notamment par la grande diversité des productions diffusées dans les cinémas français.

En 2014, la France compte plus de 100 entreprises spécialisées dans le secteur

En 2014, plus de 5300 personnes sont employées dans ces entreprises (+5,1% par rapport à 2013)

En 2014, les entrées au cinéma pour les films d’animation français progressent de 260%

En 2014, les chaînes nationales historiques diffusent plus de 3 500 heures de programmes d’animation

En 2014, 42,5 % de l’offre d’animation diffusée sur les 6 chaînes nationales historiques est française

Entre 2012 et 2013, la production de programmes audiovisuels d’animation en France est en hausse à la fois en volume (+9%) et en valeur (+17%)

RÉALISER UN FILM OU UNE SÉRIE D'ANIMATION

La réalisation d’un long métrage ou d'une série d’animation 3D est souvent le fruit de longues heures de travail et nécessite le savoir-faire de nombreux spécialistes qui travaillent en équipe ; du concept artist qui crée l’univers graphique à l’infographiste qui lui donne vie.

Entre ces deux compétences indispensables, de nombreux métiers techniques et stratégiques sont nécessaires à la création d’une œuvre d’animation 3D.

 

LA RÉALISATION SE DIVISE EN TROIS GRANDES PHASES :

Supervisée par un directeur de production qui assure le suivi et la synchronisation de la fabrication, la réalisation d’un film ou d'une série d’animation se déroule en plusieurs étapes, qui peuvent prendre énormément de temps tant les actions requises sont techniquement complexes et longues.

LA PRE-PRODUCTION
La phase de pré-production comporte 5 grandes étapes :

L’écriture
L’écriture se décompose en trois étapes : le synopsis, le séquencier et le scénario. Le synopsis décrit succinctement la trame du film. Le séquencier reprend l’histoire scène par scène. Le scénario propose une description plan par plan de l’action, du décor et des dialogues.

Le bible graphique
L’analyse du scénario permet de dresser la liste des créations graphiques à réaliser : personnages, décors, accessoires divers, etc. Cet inventaire permet d’élaborer le design pack qui comprend :
• le turn-around des personnages (cinq poses : face, 3/4 face, profil, 3/4 dos, dos), une planche d’attitudes et une planche d’expressions, une planche de constructions et une «mouth chart» (composées de six bouches de référence au minimum et des expressions standard du personnage) ;
• les lieux principaux et secondaires ;
• les accessoires.
Pour un film ou une série en 3D, les personnages peuvent également être sculptés avant d’être modélisés numériquement en trois dimensions.

Le storyboard
Le storyboard consiste en une succession de vignettes illustrant le déroulement de l’action dans chaque plan. Il donne une description de l’action, les indications des différents effets (visuels ou sonores), les dialogues, les mouvements de caméra et la numérotation des plans, des séquences et des décors.

L’animatique
L’animatique est un enregistrement du storyboard synchronisé sur la bande-dialogues. Le principe est d’élaborer une maquette visuelle du film permettant d’avoir une première idée de l’œuvre finale.

Le layout
Le layout est l’étape qui suit directement l’animatique et consiste en une transposition de cette dernière en trois dimensions. Pour ce faire, des modèles 3D temporaires (personnages, décors, etc.) sont animés sommairement en « blockings » (poses) successifs afin de déterminer les actions, les dialogues, etc. et finalement le timing précis de toutes les scènes qui composeront le film ou la série. Les cadrages et les mouvements de caméra sont également arrêtés lors du layout, ce qui permet d’avoir une idée précise de la mise-en-scène de l’œuvre finale. L’objet de la phase de layout est donc de faciliter et de guider le travail des animateurs lors de la fabrication.

LA FABRICATION
La phase de fabrication comporte 2 grandes étapes :

La modélisation
La modélisation consiste à reproduire en trois dimensions les éléments du design pack (personnages, décors, accessoires, etc.). Les graphistes créent des formes en trois dimensions à partir de dessins en deux dimensions, auxquels sont adjoints un squelette qui pourra être animé ainsi que des textures.

L’animation
L’animation est la mise en mouvement, grâce à des logiciels, des modèles en trois dimensions créés par les graphistes.
Avant d’animer un personnage, les animateurs rassemblent des références de mouvements afin de rendre leurs mouvements aussi crédibles que possible. Parfois, ils se filment en train de jouer la scène.
L’animateur dessine sur des feuilles de papier très fin qui, superposées, permettent de voir en transparence les dessins précédents. Ces dessins sont ensuite scannés et visionnés sous forme de séquence animée, grâce à un logiciel de "line test".
L’animation est ensuite réalisée en «keyframe» (ou pose clé). Cette technique consiste à positionner les éléments animés à un moment précis et à sauvegarder une clé de cette pose. Un logiciel crée ensuite les intervalles sous forme d’interpolations entre deux poses clés, l’animateur peut ensuite les modifier si nécessaire.

LA POSTPRODUCTION
La phase de post-production comporte 4 grandes étapes :

L’intégration des effets spéciaux
Cette phase importante consiste à ajouter les effets visuels complémentaires à tous les éléments graphiques qui constituent le film ou la série : personnages, décors, accessoires, etc. Il peut s’agir d’effets d’explosions, de fumée, de fluides, etc.

Le compositing
Le compositing est un ensemble de méthodes numériques consistant à mélanger plusieurs sources d’images pour en faire un plan unique qui sera intégré dans le montage. Pour un film d'animation, il s'agit de l'étape finale de fabrication qui consiste à assembler toutes les couches des décors, des personnages, à réaliser les effets de caméra, à animer certains déplacements et effets spéciaux, à régler l’éclairage des scènes.

Le mixage

Le mixage combine les différentes bandes-son (voix, musiques et bruitages) pour obtenir la bande-son définitive du film.

Le montage
De même qu’en prise de vues réelles, le montage est l’assemblage des images et du son.

RÉALISATEUR 3D
Concepteur, créatif passionné, le réalisateur 3D maîtrise l’expression par l’image, mais aussi la narration, la dramaturgie et la mise en scène. Il sait initier des projets mais a aussi une grande faculté d’adaptation et peut répondre à des commandes. Il supervise l’ensemble des phases de production, organise, pilote et contrôle le travail des équipes placées sous sa responsabilité. Il est le garant de la réalisation et de la qualité d’un projet. Dans un secteur professionnel en constante évolution il doit être capable d’expérimenter et de rechercher de nouvelles voies d’expression.

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CREATIVE DIRECTOR
Le créative director conçoit avec le directeur artistique et une équipe de concept artists l’univers du projet (film, jeu, série, …). Il réalise les bibles graphiques qui serviront de références, constitue une bibliothèque de références et définit la ligne artistique. Il est le garant de l’originalité et la cohérence du projet. Il planifie, organise et contrôle le travail des concept artists.

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CONCEPT ARTIST
Le concept artist crée une conception visuelle digitale d’un personnage, d’un décor, d’un élément, d’une atmosphère, ... pour des secteurs comme le cinéma, l’animation, le jeu vidéo et d’autres secteurs (communication, design industriel….).Il travaille en collaboration avec le directeur artistique, fait des recherches, est force de propositions. Son travail doit s’inscrire dans la charte graphique du projet.

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STORY-BOARDER
Le story-boarder conçoit tout ou partie du story-bord, c’est-à-dire la transcription visuelle du scénario. Le story-board contient toutes les informations sur les éléments cinématographiques qui constituent le film : la position des décors et des personnages, les mouvements de caméra, le cadrage, les sons, les effets spéciaux, etc.

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DIGITAL MATTE PAINTER
Le matte painting est une discipline artistique très spécialisée qui requiert à la fois de solides connaissances techniques et un talent artistique développé. C’est un procédé cinématographique qui consiste à peindre un décor en y laissant des espaces vides, dans lesquels une ou plusieurs scènes filmées seront ajoutées. On a longtemps utilisé cette technique de peintures acryliques sur verre pour éviter de construire des décors pharaoniques. Aujourd’hui l’illustration numérique permet de créer de nombreux effets spéciaux et des décors numériques hyperréalistes. L’avènement du numérique a donné la possibilité de réaliser les rêves les plus fous des réalisateurs, en faisant (re)vivre les lieux les plus fantastiques à partir d’un tournage d’acteurs sur fond vert.

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DIGITAL SCULPT ARTIST
Le digital sculpt ou 3D sculpt est de la sculpture numérique. On déforme un objet 3D comme si il était réel, comme de l’argile. Le sculpt donne la possibilité aux infographistes de créer des modèles organiques à l'aide de techniques très proches de celles employées en sculpture traditionnelle, il permet de donner des détails qui auraient été difficiles voire impossibles à reproduire à l’aide des techniques de modélisation classiques. Cette technique est surtout utilisée pour la création de personnages et de créatures.

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MODELER/TEXTURER
Le modeleur reconstitue en 3D les éléments d’un projet à partir de la bible graphique. Au-delà du respect du cahier des charges artistique, le modeleur doit respecter un cahier des charges technique qui sera conforme pour les phases suivantes du projet. Un modeleur peut se spécialiser en modélisation de personnages, de créatures, de décors, de véhicules, de décors, etc. Pour donner de la matière à la modélisation, des textures sont réalisées à partir de concept arts ou d’images photographiques et « plaquées » sur le modèle 3D.

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RIGGER
Un rigger met en place un squelette virtuel et un système de Controller qui va permettre d’animer un personnage ou un objet. Des compétences en programmation sont requises.
Spécialisations – des rigs plus poussés peuvent être mis en place dans les grosses productions :
• Muscles
• Rig pour Motion Capture
• Expressions faciales

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ANIMATEUR 3D
Un animateur 3D « donne vie » aux personnages, objets ou caméras. Il crée les mouvements, les jeux d’acteur des personnages, les expressions, etc. En fonction de ses compétences, il se spécialise dans l’animation de personnages, de caméras, de décors, etc.

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VISUAL FX ARTIST
Le visual FX artist crée à l’aide de différents outils numériques les effets spéciaux : fumées, explosions, fluides, cheveux, végétation, effets atmosphériques, etc. il travaille en partenariat avec des programmeurs et doit lui-même avoir des compétences très techniques.

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SHADER/LIGHT ARTIST
Le shader artist applique sur les objets des matériaux qu’il faut paramétrer pour qu’ils soient cohérents avec l’environnement. Il peut y avoir une approche mathématique pour la création des matériaux (indices de réfraction, etc.), voire même une approche de programmation.
Le light Artist est chargé de mettre en place l’éclairage des scènes 3D.

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RENDER ARTIST
Le render artist est chargé de paramétrer le moteur de rendu afin de rendre des images dans un souci de rapport qualité (respect du concept art)/temps de rendu. Le render artist peut avoir des compétences en programmation. Il a un profil purement technique.

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COMPOSITING ARTIST
Le compositing constitue l’ensemble des techniques permettant de combiner de multiples sources (images fixes, films, VFX, etc.) en une seule, de manière à ce que le résultat paraisse naturel, même s’il contient des éléments irréels, comme si il avait été filmé par une caméra à un instant donné.

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